Velar a verde es una instalación de Fabiola Menchelli que toma distancia de las convenciones del aparato fotográfico con el objetivo de expandir sus lenguajes y funciones. Las piezas —configuradas a partir de los dobleces del propio papel fotográfico— pierden su carácter “óptimo” e impecable para tomar un lugar tridimensional. Esta acción propone una ruptura con las hegemonías de la fotografía: incluye el error o la falla como herramienta de indagación en los intersticios de la imagen. La obra replica un mismo acto “el pliegue”, pero en su repetición ese gesto se resignifica y abre un espacio de negociación entre el soporte, el color, la luz y la arquitectura.

Entre suaves degradados aparece un telón enmarcado por la saturación del magenta, pigmento presente en las piezas gracias a su opuesto: un filtro verde. La exploración de los límites del rosa intenso toma un lugar impetuoso que se desborda del objeto artístico a la totalidad del sitio, y dirige la mirada del espectador hacia los blancos, a la falta de tiempo y contenido en la imagen. El blanco en las salas de exposición, refiere a aquella ausencia presente que privilegia y sostiene a la obra en cuestión. Esta tensión entre el pigmento, la espacialidad y la mirada, hace un guiño consciente a las acciones y prejuicios asociados a la feminidad, a lo que es valide como mujer artista. Menchelli subvierte la función del color magenta: a través de la acumulación y ocupación deja suspendida cualquier asociación previa. La artista nos conduce hacia ese “en medio” existente entre la obra y aquello que la rodea. Hay una pérdida de absolutos que permite ver la interioridad desde afuera o viceversa. La instalación se convierte en un espacio liminal, una antesala de lo que está por venir.

Laura Orozco

I Carry All the Names I am Given, título de la muestra individual de Fabiola Menchelli en la galería Arróniz, presenta una serie homónima que trastoca de manera material y discursiva al objeto fotográfico a través de su interacción con otras prácticas culturales. Doblar implica una agresión irremediable en contra de la materialidad del medio, que por lo general se presenta como superficie lisa, continua y bidimensional. Sin embargo, la fotografía aparece y es, debido al tránsito entre sus opuestos: negativa y positiva, visible e invisible, real y ficción, digital y análoga, líquida y sólida, etc.

En esta exposición las obras provienen de metodologías análogas que requieren un tiempo prolongado y una aproximación artesanal, entrelazadas con el conocimiento científico. La artista dobla y desdobla el papel fotosensible y lo expone a distintas temporalidades de luz atravezada por diversos filtros de color. Es el mismo papel el que brinda las formas abstractas que vemos registradas en la pieza. La hoja opera como soporte y herramienta de creación de su propia imagen. Generar estos pliegues y rupturas obliga al fotograma a perder su estado habitual, opta en su lugar por una versión objetual, háptica, plagada de gestos, detalles y errores; va en contra de su naturaleza reproducible, y se vuelve única. La fotografía en su carácter más matérico pero inaprensible, concreto pero indefinible, riguroso pero imperfecto, favorece la deconstrucción de su propio sistema y funcionalidad esperada.

Los fotogramas toman diversas escalas en relación al cuerpo humano, y se experimentan más allá de los límites del papel fotográfico, dejan a un lado su cualidad individual para fundirse con las demás piezas, con el espacio y con el soporte que las sostienen. Por ende, son obras cuyos bordes son difíciles de definir. Existe una interacción entre los fragmentos, entre el inicio y final de cada doblez, línea o límite, pero también habita una ruptura de la secuencialidad visual; generando otra cosa, un pasaje entre el fotograma y el objeto, la imagen y la escultura. La repetición al fin y al cabo es visibilidad y certeza, aquí la irrupción y la diferencia imposibilita seguir un camino trazado.

– Laura Orozco

El título de esta muestra es un extracto del poema “A Piece of Writing that won me $200 in eighth grade” escrito por el artista y escritor Manuel Arturo Abreu. Véase en: https://humanparts.medium.com/a-piece-of-writing-that-won-me-200-in-eighth-grade-56a27855d0d6

Fabiola Menchelli & Andrea Chapela

Desdoblar es hacer visible aquello que estaba escondido, es regresar el tiempo sin perder los trazos, es ampliar y es exhibir. A través de la imagen y la palabra, así como del umbral que existe entre ambas, Fabiola Menchelli y Andrea Chapela presentan la crónica de un encuentro entre la fotografía y la escritura, lo privado y lo público, el proceso y el producto. En un mundo colapsado hacia los adentros ambas intentan encontrar nuevos sentidos por medio del proceso de este libro y sus implicaciones. También, el desdoblamiento es un tipo de reordenamiento; es hacer para entender, escribir para indagar, crear para propiciar. Es acercarnos y conocernos para intentar sobrevivir, pues… un doblez siempre deja huella.

Libros/Proyecto es una serie que explora el desarrollo de proyectos artísticos dentro del espacio editorial. Pensamos el libro como un lugar de confluencia de creadores; un espacio secuencial para la colaboración y la experimentación; un universo lúdico e inagotable donde el arte y la literatura dialogan y se entremezclan a partir de la naturaleza propia de las páginas impresas.

Desdoble es el séptimo título de la serie y, a su vez, el primer proyecto que se desprende de las ideas, conclusiones y preguntas de ABCDESPAC, un ejercicio colectivo de reflexión que propone nuevas formas y contenidos a desarrollar desde el quehacer artístico.

Presentación de la publicación:
Sábado 12 de febrero, 12 horas
en Arróniz Arróniz Arte Contemporáneo
Tabasco 198, Roma Norte, CDMX

Desdoble
Andrea Chapela & Fabiola Menchelli
2022
21 x 13.5 cm, 76 páginas
Edición de 500 ejemplares en español y 500 en inglés.

Publicado por:

Edición: Laura Orozco y Alfonso Santiago.
Corrección de estilo: Sandra Liera
Retoque: Darinka Lamas

Diseño de la colección: Alfonso Santiago
Conceptualización de la serie: Esteban King Álvarez y Alfonso Santiago

Agradecimiento especial a Stephanie Snyder, Anne and John Hauberg Director and Curator, Douglas F. Cooley Memorial Art Gallery, Reed College

Compra en línea a travez de USO.MX

El título de este cuerpo de trabajo, Meian No Oku, 明暗 の 奥 significa La profundidad de la luz y la oscuridad. Influenciada por su viaje a Japón, Menchelli comenzó a trabajar con fotogramas en color en el 2020. Este proceso requiere trabajar en completa oscuridad donde ciertas cosas se pueden planificar pero otras se dejan al azar, dando espacio a la improvisación. Los fotogramas en color son creados con trozos de papel translúcido, utilizando múltiples exposiciones de luz para construir un espacio intuitivo dentro de las imágenes. En el cuarto oscuro el tiempo se detiene y la distancia se vuelve personal, midiendo el espacio con la punta de los dedos, coreografiando movimientos usando filtros de colores para exponer el papel fotográfico. Trabajando con la luz como sustancia, Menchelli llega a un acuerdo con su materia, creando profundidad a través de la sombra y la luz para revelar las sutiles revoluciones que ocurren a través de la contemplación.

En principio trabaja en pequeño formato en el cuarto oscuro y luego utiliza estos fotogramas como negativos ampliando su escala. Esto permite que la estructura invisible del papel fotográfico se expanda revelando su textura en una escala macro. Acercándose un paso más para observar el tejido de los mecanismos de la fotografía y entender la visión de una manera física.

Ortega y Gasset toma la forma de una espiral en movimiento para describir el crecimiento del conocimiento como el proceso de excavar hacia la interioridad de las cosas, buscando completar la imposible tarea de traerlas a la luz. Observamos el cosmos y, al intentar comprendernos a nosotros mismos en su infinita profundidad, éste nos regresa la mirada. Tocando sus contornos, buscamos significado en la oscuridad. Equilibrando el sentido y la razón, la intuición nos llega como un destello, en un momento de iluminación y ceguera simultáneas.

En óptica y astronomía, un efecto de paralaje/parallax describe una desviación angular de la posición aparente de un objeto, que depende de la orientación desde la cual se observa el objeto. Las imágenes de este cuerpo de trabajo se construyen sin cámara en el cuarto oscuro, permitiendo que los contornos de los objetos se registren a través de la luz sobre la superficie del papel fotosensible. A través de exposiciones adicionales y solarización, Menchelli trabaja la composición construyendo la imagen a partir de capas, lo que le permite introducir elementos de azar en el proceso de creación. La escala de la imagen resultante se amplifica, exagerando aún más la distancia entre el objeto y su representación, empujando y tirando simultáneamente de nuestra propia percepción.

Volvemos al comienzo de la espiral, al punto donde conocimiento y creación son reflejo el uno del otro. La interioridad como tal nos permite afrontar la imposible profundidad de los objetos. Se ejecuta a sí misma y llega como un reflejo íntimo, como una imagen que nos devuelve la mirada, nos toca, nos enfrenta a la inmensidad.

Inmensamente agradecida con todas las personas que me apoyaron en la creación de esta obra durante los últimos tres años. Gracias a Alex, Laura y Javier de ProxyCo Gallery. Gracias a FocoLab y a LTI/Lightside por el increíble esfuerzo en producir esta muestra. Gracias a todas las personas que me ayudaron en el estudio en diferentes momentos, Emily Kind, M Prull, Paul McAllister, Carla González Vergara y Darinka Lama. A Priscila Vaneuville, Tere Carter y mi hermosa familia, gracias por estar ahí en los momentos altos pero sobre todo en los bajos. En especial quiero agradecer a todas las brillantes personas que me ayudaron a articular, gracias a Kevin Sweet, Laura Orozco, Beatriz Díaz y mis alumnos.

Este proyecto no sería posible si no fuera por el generoso apoyo del Sistema Nacional de Creadores del Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en México. A todas las personas que hacen ese apoyo posible. Gracias!

Horizontes es una serie que surge como uno de mis primeros experimentos para hacer fotografía a color en el cuarto obscuro. La serie participó en la exposición Un Grano en el Ojo de la Montaña en Fundacion MARSO a finales del 2019 y principios el 2020. La muestra exploraba las posibilidades poéticas de la obra de Daniela Libertad y mía en relación a una serie de conversaciones que tuvimos junto con Leslie Moody Castro. Entre muchas otras cosas hablábamos del contenedor como símbolo para poder desdoblar la materialidad de la obra. 

Esta serie de obras fueron creadas utilizando el borde aterciopelado del contenedor de una película fotográfica de 35mm. El horizonte en las imágenes es generado por el terciopelo que tiene el magazine de la película fotográfica y de esta forma se genera el negativo. En el cuarto obscuro amplie las imagenes, utilizando filtros de color frente al lente de la ampliadora para construir un espacio a partir de mutliples exposiciones de color.

Me interesa hablar acerca de lo esencial de el contenedor y lo consciente que puede ser la fotografía como una herramienta que nos ayuda a observarnos. La obra se desdobla a partir de la materialidad fotográfica, generando también un paisaje y a su vez me recuerda a un abrir y cerrar de ojos. Estas piezas buscan recordarnos lo poderoso que es el observarnos observando.  

La materialización de este libro es consecuencia de un proceso creativo que inició en el mes de mayo de 2015. Las imágenes que lo componen fueron tomadas dentro del observatorio de concreto en Casa Wabi, en la costa de Oaxaca, donde viví 28 días como parte de una residencia artística.

El día que llegué, un fenómeno natural llamado mar de fondo, nos sorprendió mostrándonos el poder absoluto e indomable del agua: la marea cubría la alberca y el suelo vibraba con cada ola. Esa misma noche había luna llena, alguien se cayó de un caballo y dos amantes se separaron.

Durante mi estancia recorrí, repasé, fotografié el observatorio, fascinada por su composición y estructura. Severo, el concreto me llevó a buscar alguna forma de moldearlo por medio de imágenes. Las curvaturas de la luz y los cortes producidos por el espacio me hicieron pensar, de manera inevitable, en el movimiento del mar. Las imágenes, conectadas una tras otra, crearon un horizonte que se relaciona, a su vez, con las fases lunares. Marcando el calendario, me di cuenta de que el día de mi partida coincidiría, justamente, con la luna llena.

Al volver a casa, decidí concretar mi reflexión estética en una pieza que se conforma de 13 libros: uno por cada uno de los ciclos lunares que suceden durante un año. Cada libro es un ciclo compuesto por 28 fotografías, y cada fotografía mide 24 centímetros en consonancia con las 24 horas del día terrestre, creando así un lunario.

La suma de las 364 fotografías es un homenaje a la intuición, a la feminidad, a la fertilidad, al agua que nos compone, cualidades que se vinculan ineludiblemente a nuestra intimidad con la luna. Honran, también, a la luz que se refleja y se transmuta en la única faz que vemos de la Diosa Blanca, así como a la fuerza y las enseñanzas de cada una de sus fases y ciclos.

Estoy inmensamente agradecido a Casa Wabi por la invitación a pasar estas 28 noches en un espacio como ningún otro, tan hermoso e inspirador. Gracias por darme el tiempo de estar quieto para crear movimiento.

El proceso creativo tardó aproximadamente un año en completarse y no hubiera sido posible sin el apoyo de Casa Wabi. Gracias a Bosco Sodi y Tadao Ando por crear este maravilloso espacio. Gracias a Patricia Martín. Gracias desde el fondo de mi corazón a Cristina Nava y Alberto Ríos de la Rosa. Gracias a Judith, Lalo, Lucero, Lalito, Doña Irma, Genaro, Iván, Galia, James, Katia, Huna, Gaby y Yeni, Rebeca y Sean. Gracias a Brett W. Schultz y a Yautepec por su apoyo incondicional. Gracias a Imagen Virtual, Xavier Gaona, Alana Burns, Ernesto Miranda, Leila Tschopp, Laia Rius y Teresa Carter por sus invaluables consejos y su increíble trabajo. Gracias a mi maravillosa familia y amigos. Finalmente, gracias a Priscilla Vanneuville: no podría haberlo hecho sin tí.

Usando la cámara para transmutar la realidad, Fabiola Menchelli combina diversas perspectivas en un solo plano, generando una dimensión que existe solo dentro de la cámara. Las imágenes son construidas a través de múltiples exposiciones alterando los objetos, las formas y los colores, generando así diferentes planos de luz que se combinan en la imagen latente.

El trabajo revela la subjetividad del lente al concebir la cámara como un aparato perceptivo que apunta hacia adentro para crear la imagen. Buscando cuestionar la naturaleza ontológica del medio fotográfico para elevar el espacio de representación más allá de los paradigmas de la percepción.

Fabiola Menchelli, Parallax, 2016, Archival pigment print on fiber paper, 30″ x 40” / 70 x 100 cm[/caption]

Bajo el Sol Azul es el resultado del trabajo realizado por Fabiola Menchelli durante el 2015 en Casa Wabi, una residencia para artistas diseñada por Tadao Ando que se encuentra cerca de Puerto Escondido, en la costa de Oaxaca. El observatorio de las instalaciones, pensado por Ando como un sitio de contemplación profunda, fue la fuente de inspiración de Menchelli para crear una obra acerca de la poética de la observación.

En el transcurso de 28 días, Menchelli fotografió la luz cambiante en a la imponente estructura de concreto del observatorio. Capturando los cambios rítmicos y cíclicos del sol a través de múltiples exposiciones, la artista traspuso la dimensionalidad física de la arquitectura a un espacio inmensurable. Las imágenes resultantes fueron impresas con un proceso fotográfico con 170 años de antigüedad llamado cianotipo, reproduciendo las curvas irregulares y ásperas de las paredes del observatorio con una técnica que es notoriamente difícil de controlar. Literalmente dibujando con luz, estas nuevas obras se nutren por la misma filosofía wabi-sabi que también inspiró el diseño del edificio, adoptando los elementos imperfectos y transitorios que se encuentran en la naturaleza.

Menchelli presenta el “adentro” y “afuera” no solo como elementos espaciales, sino también como dimensiones temporales. Al unificar múltiples exposiciones, difumina los límites entre los bordes sólidos del observatorio y el vasto e impenetrable cielo. Las capas de distintas tonalidades de azul superpuestas se repliegan metafóricamente unas sobre otras, añadiendo profundidad y riqueza que abstrae los espacios representados y el tiempo en el que, durante y sobre el cual fueron capturados.

Al remover cualquier referente visual claro que podría facilitar la lectura o entendimiento de la imagen, Menchelli manipula nuestros poderes perceptivos para así completar la obra.

En 1838, John Herschel, inventor del cianotipo, capturó una de sus primeras imágenes a través de una ventana circular: la de un telescopio perteneciente a su padre, el renombrado astrónomo William Herschel. De alguna manera, el acto de mirar más allá, de colapsar el espacio y la distancia a través de la manipulación de nuestros órganos de percepción y nuestra experiencia sensorial, crea también un camino circular, conectando a Herschel, Ando y Menchelli. Cada uno de ellos mira más allá y por último hacia atrás, para reflexionar acerca de la naturaleza de lo que buscan capturar. A través de la ciencia, la arquitectura y la fotografía, sus trabajos hablan no solo de la luz y los espacios que ilumina, sino también de las sutiles revoluciones que experimentamos como resultado de una profunda contemplación.

Bajo el Sol Azul se presenta como dos ciclos de siete imágenes y, de esta manera, Menchelli también completa un círculo. Cada imagen, a través de sus curvas imperfectas y formas asimétricas, revela una experiencia capturada para que eventualmente sea continuada por otros. Su multiplicidad y las variaciones sutiles entre cada repetición, amplifica la subjetividad individual de cada imagen, haciendo eco del simple entendimiento de que un producto terminado es siempre, una obra en proceso.

— Asha Bukojemsky

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